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Información del artículo
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- Autor, Precious Adesina
- Título del autor, BBC Culture
- Fecha de publicación 7 junio 2026
- Tiempo de lectura: 7 min
En 1907, Pablo Picasso convocó a un reducido grupo de artistas y amigos en su estudio parisino para mostrarles una obra que había estado creando durante seis meses.
La mayoría de sus compañeros reaccionó con una mezcla de sorpresa, rechazo e incredulidad. Se relata que el pintor francés Georges Braque describió esa experiencia como si bebiera gasolina, mientras que Henri Matisse definió a las figuras femeninas del cuadro como "horribles". No fue hasta 1916, casi diez años después, cuando la obra fue mostrada al público.
Ahora, transcurrido más de un siglo, esta pintura se ha consolidado como una de las piezas más emblemáticas y debatidas dentro del legado de Picasso. El artista estadounidense Henry Taylor también realizó una reinterpretación de la misma.
Actualmente, la versión de Taylor forma parte de una exposición destacada en el Museo Nacional Picasso de París, y desde su perspectiva recalca un aspecto esencial sobre la obra original: la influencia del arte africano en ella es mucho mayor de lo que Picasso solía reconocer.
La obra que Picasso presentó aquel día es "Las señoritas de Avignon" (1907), un imponente óleo en el que cinco mujeres desnudas en un burdel barcelonés capturan la atención del público.
Dos de estas figuras muestran rostros inexpresivos, mientras tres miran fijamente hacia el espectador; todos los cuerpos exhiben deformaciones y una estructura desarticulada.
Este cuadro representó un giro decisivo en la trayectoria creativa de Picasso y una ruptura profunda con las convenciones artísticas de su tiempo.
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El origen del cubismo
"Picasso abandonó la pintura emotiva y figurativa para fragmentar las formas y replantear la representación del espacio y del cuerpo", comenta Joanne Snrech, curadora del Museo Nacional Picasso, en una entrevista con la BBC. "Este cambio fue fundamental para el desarrollo del cubismo y para el arte moderno en su conjunto".
Originalmente llamado "El burdel de Avignon" hasta 1916, año en que se modificó para evitar la controversia, "Las señoritas de Aviñón" se considera una pieza crucial en la formación del cubismo; movimiento artístico del siglo XX caracterizado por la ruptura con las representaciones tradicionales y realistas, optando por formas fragmentadas y geométricas.
Al igual que en "Las señoritas", el cubismo integró distintas perspectivas de un mismo objeto o figura en una sola imagen.
"Parte de la intensa reacción se debió a que Picasso no modificó solo un aspecto: transformó todo simultáneamente", señala Snrech. "Incluso para artistas que experimentaban con nuevas corrientes, esta evolución fue demasiada innovación a la vez".
No obstante, tales innovaciones no surgieron espontáneamente. En parte, estas influencias provenían directamente del continente africano.
Meses antes de elaborar esta obra, Picasso había manifestado un particular interés por las máscaras y esculturas africanas, avivado por una pequeña figura procedente de lo que hoy es la República Democrática del Congo, adquirida por Matisse en París en 1906.
El artista comenzó a visitar asiduamente la sección africana del Museo de Etnografía del Trocadero, donde realizó cientos de bocetos preparatorios para lo que se convertiría en su nueva creación.
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"No solo fue su apariencia lo que lo impresionó, sino también su funcionalidad: los rostros simplificados, distorsionados, a veces intensos o inquietantes", explica Snrech. "Claramente se inspiró en esta distinta forma de concebir el rostro humano, lo que le permitió apartarse del naturalismo y acercarse a un estilo más abstracto y provocativo".
Aunque muchas de sus obras, incluida esta, recibieron influencias directas del arte africano, Picasso solía restar importancia a esta fuente.
En 1920, comentó a un crítico mientras preparaba una serie sobre arte africano para una revista que no "había oído hablar" de dicho arte. Esta negativa a reconocer la influencia africana, a pesar de haberla incorporado, dio lugar a críticas posteriores de apropiación cultural.
Los detractores apuntan al valor cultural, religioso y social de los objetos que Picasso observó pero aparentemente ignoró, destacando cómo esto contribuyó a la idea extendida en la época que consideraba el arte africano como "primitivo".
La relectura de Las señoritas de Avignon
En 2007, casi un siglo después de que Picasso realizara su obra, Henry Taylor produjo una reinterpretación de esta pintura durante su primera exhibición individual en Europa, celebrada en París.
La versión de Taylor, llamada "Del Congo a la Capital y de Nuevo Negro" (2007), se encuentra actualmente en exposición en el Museo Nacional Picasso de París dentro de la muestra "Henry Taylor: Donde los pensamientos provocan", su primer gran retrospectiva en Europa.
Su obra respeta la estructura general y las posturas originales de las cinco mujeres desnudas y los dos rostros enmascarados característicos. Sin embargo, las figuras, originalmente blancas, ahora son negras, estableciendo una referencia más clara al arte africano.
Reconocido por documentar la experiencia de la comunidad negra estadounidense, Taylor adapta la composición desde su propia visión artística y sociocultural.
"El trabajo de Taylor frecuentemente se centra en personas históricamente poco representadas, dándoles presencia e identidad", explica Snrech. "Analizadas juntas, las obras de Picasso y Taylor no solo exponen diferencias estilísticas, sino que también plantean cuestiones sobre el poder, la influencia y la autoría de las narrativas".
Fuente de la imagen, Nueva York/ Aurélien Mole c Henry Taylor, cortesía del artista
Nueva interpretación
Ambas piezas evidencian también distintas posturas en relación con las mujeres. La historia conflictiva de Picasso con el género femenino ha complicado la interpretación del legado de sus pinturas.
Famoso por varias relaciones tormentosas, se comenta que Picasso dijo a la pintora Françoise Gilot que todas las mujeres son "diosas o felpudos" y "máquinas de dolor". Para algunos analistas, la violencia presente en los cuerpos fragmentados va más allá de lo estético y se vuelve personal.
"El tema [un grupo de mujeres desnudas en un burdel] ya era provocativo, pero Picasso eliminó toda sutileza", señala Snrech. La versión de Taylor, aun siendo abstracta, representa cuerpos menos desarticulados; el efecto es más poderoso que agresivo.
La figura central en la obra de Taylor está erguida con los brazos parcialmente tras la espalda. Su corte de pelo corto y asimétrico evoca la imagen de Josephine Baker, bailarina y cantante franco-estadounidense reconocida como la primera mujer negra en alcanzar la fama mundial. Con este detalle, el artista "plantea preguntas sobre identidad, raza y representación", señala Snrech.
El título de Taylor, "De Congo a la Capital y de Nuevo Negro" (2007), remite a la figura congoleña que despertó el interés de Picasso por el arte africano, reflejando su traslado desde África a París.
Además, alude a cómo el propio Taylor "reintrodujo la negritud" en la pintura al incluir cuerpos negros.
No obstante, un brazo masculino blanco, sin cuerpo visible y con un reloj de oro, asoma en la esquina inferior izquierda, tocando a una de las figuras.
Esto podría hacer referencia a los dos hombres —un marinero y un estudiante de medicina— que Picasso consideró incluir en la obra. "No solo es una mención a Picasso, sino una crítica y reinterpretación de su obra", añade Snrech.
Pese a la reacción inicial de repulsión hacia "Las señoritas de Avignon" expresada por Braque, él mismo adoptó poco después un estilo más anguloso en sus pinturas. Durante la década de 1920, lo que originalmente causó rechazo en la creación de Picasso fue lo que la elevó a la categoría de obra maestra.
El escritor y poeta André Breton la definió como revolucionaria, persuadiendo al diseñador y coleccionista francés Jacques Doucet para adquirirla. En 1939, el Museo de Arte Moderno de Nueva York la incorporó como pieza central de su colección, donde permanece hasta hoy.
Más de cien años después, "Las señoritas de Avignon" sigue generando debate, con artistas aún explorando los temas que aborda. Sin duda, prueba cómo una pintura puede ser simultáneamente rechazada y celebrada, a la vez que marcar un antes y un después en la historia del arte.
Este artículo fue publicado en BBC Culture. Puede consultarse la versión original en inglés aquí.